Adiós Nonino

En octubre de 1959, Astor Piazzolla estaba de gira por Centroamérica con los bailarines Juan Carlos Copes y María Nieves cuando, durante una función en Puerto Rico, recibió la noticia de que su padre, Vicente Piazzolla, había muerto en Mar del Plata.[1,3] Vicente, conocido en la familia como Nonino —el cariñoso diminutivo rioplatense del italiano nonno, “abuelo”—, había sufrido un accidente fatal.[1,4] Las fuentes difieren sobre la causa precisa: varios relatos describen un accidente en bicicleta, mientras que otro informa de una hemorragia cerebral poco antes de que cumpliera sesenta y siete años.[1,5] La noticia llegó en medio de una gira fallida, apremios económicos y nostalgia; Piazzolla describió más tarde ese período como de profunda depresión.[1,2]

Al volver al departamento que compartía con su familia en la calle 92 de Nueva York, Piazzolla pidió que lo dejaran solo. Su hijo Daniel recordó después un silencio absoluto seguido del sonido del bandoneón: “Era una melodía muy triste, terriblemente triste. Estaba componiendo ‘Adiós Nonino’”.[1,6] La obra se terminó en aproximadamente media hora o una hora.[1,5] Toma su base rítmica de Nonino, un tango que Piazzolla había escrito en París en 1954 mientras estudiaba con Nadia Boulanger y dedicado al mismo padre.[1,2] En la nueva pieza, Piazzolla conservó esa célula rítmica y le superpuso una larga línea melódica elegíaca, cuyas notas sostenidas transmiten un dolor contenido.[2,7]

La primera grabación conocida se hizo en Montevideo en 1960, por el Quinteto Nuevo Tango de Piazzolla, para el sello Antar-Telefunken: Piazzolla en bandoneón, Jaime Gosis en piano, Quicho Díaz en contrabajo, Horacio Malvicino en guitarra eléctrica y Simón Bajour en violín.[2,8] Una versión posterior, de amplia difusión, apareció en el álbum Adiós Nonino de Trova, de 1969, que incorporó una introducción de piano de dos minutos y medio, tocada por Dante Amicarelli; ese prólogo pasó a ser desde entonces parte integral de la mayoría de las interpretaciones.^[7] El propio Piazzolla llamó a la pieza “el tema más hermoso que escribí en mi vida” y dudó de poder superarlo.[6,9]

En lo estructural, la obra contrapone una figura rítmica sincopada e impulsiva a un segundo tema lírico. Los arreglos posteriores —para quinteto, noneto, octeto y orquesta— ilustran la evolución del estilo de Piazzolla desde fines de los años cincuenta hasta los ochenta, con armonía de aire jazzístico, contrapunto clásico y la característica acentuación 3+3+2 que marca el tango nuevo.^[10] Se cita con frecuencia la grabación de 1969 como el momento en que la introducción de piano cristalizó la identidad pública de la pieza.^[7]

Adiós Nonino entró pronto en el repertorio de las orquestas típicas tradicionales (Leopoldo Federico, Francini-Pontier, Aníbal Troilo, Atilio Stampone) y de conjuntos modernos, y se volvió un clásico que reconocen tanto los bailarines como el público de conciertos.[2,7] Su franqueza emocional y su claridad formal la han hecho una de las obras más grabadas de la literatura del tango, con más de doscientas versiones documentadas a comienzos del siglo XXI.^[5] Para muchos oyentes sigue siendo la composición que identifica más de inmediato a Piazzolla, aunque el propio compositor produjo obras de mayor ambición formal. La pieza se sigue interpretando en todo el mundo, tanto en su orquestación original para quinteto como en arreglos que van del piano solo a la orquesta completa.[2,10]

Orígenes y composición

El detonante inmediato fue la muerte de Vicente Piazzolla en Mar del Plata mientras su hijo estaba en el extranjero. El Nonino de 1954 aportó el esqueleto rítmico; la revisión de 1959 amplió el material melódico hasta convertirlo en un extenso lamento. El testimonio familiar ubica el acto de composición en el departamento de Nueva York tras el regreso de Puerto Rico.[1,6]

Primeras grabaciones y arreglos

La grabación del quinteto en Montevideo, en 1960, estableció la paleta instrumental básica de bandoneón, violín, piano, guitarra eléctrica y contrabajo. La versión de 1969 sumó la hoy canónica introducción de piano. En las décadas siguientes, el propio Piazzolla grabó la pieza con el Conjunto 9, el octeto electrónico y varios quintetos, y cada versión reflejó cambios en su lenguaje armónico y rítmico.[2,7]^[10]

Recepción y legado

Los directores de orquesta tradicionales adoptaron la obra poco después de su aparición y la trataron como pieza de concierto más que como tema de baile. Su condición de sinónimo de Piazzolla se apoya menos en la innovación formal que en la intensidad de su expresión personal y en la claridad de su doble material temático. Sigue siendo un pilar de los programas tanto de tango como de música clásica.[2,7]